THE LAST PICTURE SHOW, CADA SESIÓN ES LA ÚLTIMA

El tiempo pasa de una manera inexorable en The Last Picture Show. Desde el primer plano, una extraña panorámica, la película de Bogdanovich intenta atrapar el paso del tiempo, comprimirlo y a la vez huir de él. La panorámica es extraña porque la cámara se desplaza de derecha a izquierda, en un sentido inverso al habitual, al que nos tiene habituados el ojo que coincide con el sentido de la escritura y la lectura. La cámara se mueve siguiendo el viento que arrastra hojas y arena. Ese mismo viento que impide a los personajes evolucionar, crecer y huir del pueblo en el que viven atrapados.

La sala de cine prepara su última sesión mientras los personajes no pueden más que recordar amores que no olvidan, historias que pudieron ser, errores que debieron cometer.

La nostalgia atrapa el tiempo para enmarcarlo en un precioso blanco y negro. A la vez nunca dejan de suceder cosas en The Last Picture Show. Las elipsis se suceden entre secuencia y secuencia, entre plano y plano. La sensación es que el tiempo se gasta y se escapa mientras la historia no parece evolucionar.

En una de estas maravillosas elipsis los dos amigos interpretados por Timothy Bottoms y Jeff Bridges miran en el cine Río rojo de John Ford. Los protagonistas del western gritan dispuestos a trasportar el ganado a través de los extensos campos del viejo oeste. Es la última sesión y la despedida de los amigos. Instantes después un camión que transporta ganado atropella y mata al personaje del chico retrasado interpretado por Sam Bottoms. Se produce una elipsis entre la película de John Ford y la propia de Bogdanovich.  Algo más que la vida de un personaje muere en este trayecto.

La nostalgia del cine que entonces ya moría sigue vigente hoy en día.  El cine nunca deja de morir. Cada sesión es la última.

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BIENVENIDAS CAZAFANTASMAS

Si sucede algo extraño en tu vecindario ya sabes a quien tienes que llamar; a las Cazafantasmas. Después de veintiséis años de no responder al teléfono, los problemas relacionados con espectros y fantasmas ya vuelven a tener una respuesta. Durante años se habían escuchado infinidad de rumores sobre la posible tercera entrega de la saga iniciada en 1984 por Ivan Reitman; pero diferencias de opiniones entre los protagonistas y alguna mala noticia como la muerte de Harold Ramis – uno de los creadores de la franquicia- hicieron imposible su existencia. Finalmente, y de la mano de uno de los nuevos “artesanos” de la comedia americana, Paul Feig y con un reparto que cambia a aquellos humoristas tan carismáticos de los ochenta (Dan Aykroyd, Harold Ramis, Bill Murray y en menor medida Ernie Hudson) por un grupo de las mejores humoristas del momento en USA (Melissa Mccarthy, Kristen Wiig, Kate McKinoon y Leslie Jones), llega este remake/secuela.  Al igual que aquellos, las nuevas cazafantasmas provienen del mítico show televisvo Saturday Night Live, programa que ha sido la cantera de los mejores humoristas norteamericanos de los últimos cuarenta años como Billy Cristal, Eddie Murphy o John Belushi.

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Sinceramente, la película está bastante bien. Tiene más aciertos que fallos y no desmerece para nada a la original. En este caso, el material de partida es una película mítica, inolvidable, carismática, representativa y emblemática de una época determinada; el cine de los ochenta. La herencia, la nostalgia y el recuerdo la han llevado a una categoría que va mucho más allá de lo que realmente es; una película divertida y graciosa. Partiendo de esta premisa, la película de Feig cumple con las expectativas a la perfección. El modelo de lathRPE6081F historia es el de la original, contiene buenas dosis de comedia, que encuentran en el personaje de “secretario torpe” interpretado por Chris Hemsworth sus secuencias más divertidas, unos cuántos sustos bien trabajados, una dirección y puesta en escena muy correctas y unos excelentes efectos especiales muy superiores a los de la original.

Como factores negativos podríamos reclamar más carisma por parte de “las chicas”, aunque es posible que nuestra falta de “cultura humorística norteamericana” sea la culpable de no disfrutar de algunos de los gags que nos regalan. El otro factor negativo es que se trata de un producto demasiado “blanco” orientado de forma exagerada a público familiar e infantil y en algunos momentos se echa en falta algo de la “mala leche” que contenía la original. En aquella podíamos disfrutar del descaro de Bill Murray, toda su relación romántica con Sigourney Weaver y alguna secuencia delirante como el sueño erótico de Dan Akroyd.

Eso sí, la cinta contiene infinidad de guiños y cameos homenajeando a “Los Cazafantasmas” por lo que la diversión está garantizada. Bienvenidas Cazafantasmas.

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VEN A PECAR A LES GANDULES DE LA MANO DE DESIRÉE DE FEZ

Si te perdiste las sesiones a la fresca de Sala Montjuïc todavía tienes la oportunidad durante este mes de agosto de disfrutar de buen cine al aire libre. En esta ocasión la propuesta es diferente y el lugar elegido también. Se trata de “Gandules, cine de verano”, la actividad que cumple este año su decimosexta edición y que proyecta sus películas en el Pati de les Dones del CCCB.

Las programaciones de les Gandules tiene un carácter más alternativo con títulos cercanos al cine independiente o más difícil de ver en circuitos comerciales normales, lo que supone siempre una gran oportunidad para descubrir nuevas películas o cintas olvidadas.

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Bajo un título representativo, cada año la programación viene determinada por un tema que este año responde al lema HE PECADO. Aprovechando que es verano, la estación ideal para pecar, la crítica de cine Desirée de Fez ha confeccionado una lista de títulos que darán forma a diferentes pecados como la lujuria, la pereza, la gula, la envidia y otros más.

La programación incluye títulos como la reciente y aclamada cinta de terror Babadook (2014) representando la ira; la sorprendente y alucinante “El rapto de Bunny Lake” (1965) -una de las películas menos conocidas y más misteriosas de Otto Preminger- para dar vida a la envidia, una absoluta joya del cine fantástico como es “Amenza en la sombra” (1974) que nos hablará de la tristeza, o el delirio psicotrónico en forma de thriller romántico “The Room” (2003) que cobijará a la soberbia. En definitiva, una lista de pecados muy atractivos y una lista de películas a descubrir, títulos que se han convertido en películas de culto y que esperan ansiosas ser vistas.

Las sesiones son hasta el 25 de agosto y son gratuitas. Eso, sí, el aforo es limitado.

Aprovecha la oportunidad, ven a pecar a les Gandules.

Para más información: http://www.cccb.org/es/marco/ficha/gandules16-gas-natural-fenosa/224056

 

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ENTREVISTA A PABLO HERRERA

Pablo Herrera Marín es uno de los fundadores de Colectivo Piloto, organización sin ánimo de lucro nacida en Barcelona en el año 2004 y que ha gestionado diversas actividades culturales y educativas dentro del campo audiovisual.

Filmmaker y productor nacido en Argentina, Pablo ha trabajado en Barcelona por más de 12 años impulsando con éxito proyectos audiovisuales y culturales para el Ayuntamiento de Barcelona y otras organizaciones del tercer sector como Save The Children. La notoriedad de sus proyectos se debe en gran parte a su carácter emprendedor y a un sistema de producción y financiación diversificado; virtudes y estrategias que lo convierten en un modelo a imitar dentro de un sector cada vez más competitivo.

Desde el 2013 Pablo reside en la ciudad Nueva York desde donde continúa con la creación y gestión de diversos proyectos culturales y audiovisuales.

Recientemente he tenido la oportunidad de entrevistarlo a propósito de la realización de la Primavera de los Realizadores en Nueva York, un festival de cine independiente que está organizando con el Colectivo Piloto en la Gran Manzana, y que estrenará su primera edición en la primavera de 2017.

¿De dónde surge tu pasión por el audiovisual?

Mi relación con el campo audiovisual aparece durante la realización de la maestría en Artes Visuales que estaba desarrollando en la Universidad de Barcelona en el año 2002. Para mi tesis en la maestría estaba produciendo un corto documental sobre el impacto de las transformaciones urbanas en la Barcelona Post-Olímpica de los Juegos de 1992. El documental fue un “work in progress”, que además de despertar mi curiosidad por la producción audiovisual, me llevó a desarrollar un pensamiento crítico sobre las políticas sociales. Después de ese proyecto mi visión sobre el arte y el papel del artista en la sociedad cambió por completo.

¿Crees que el cine y el audiovisual son armas que pueden cambiar el mundo y la sociedad?

Absolutamente. Respeto el cine como industria de entretenimiento, pero yo prefiero hacer cosas que sirvan para algo más. Lo que me estimula de mi trabajo es hacer proyectos que contribuyan de alguna manera al desarrollo social, que tengan un sentido constructivo para la comunidad. Por eso creamos el Colectivo Piloto, que es una organización desde la cual promovemos proyectos culturales y educativos con esa perspectiva.

¿Qué tipo de proyectos desarrolla el Colectivo Piloto?

Desarrollamos proyectos culturales que sirvan como plataforma para la promoción artística, y proyectos educativos y de divulgación social.

En el primer caso buscamos contribuir al desarrollo artístico de nuevos profesionales del sector, ayudándolos a introducirse en el mercado audiovisual. Un ejemplo es la Primavera de los Realizadores en Nueva York, un festival de cine independiente que cuenta con el pablo-herrera-2soporte del Instituto Cervantes de Nueva York, y que servirá para incentivar el mercado de coproducción entre España, Latinoamérica y Estados Unidos. La primera edición del festival se llevará a cabo en la primavera de 2017.

Otro evento importante que estamos haciendo en Nueva York es la Electrofilmika, que son proyecciones cinematográficas y de arte visual con música electrónica y avanzada en vivo. El evento nació en Barcelona en el año 2009 y ahora lo hemos traído a Nueva York. Electrofilmika es un muy buen punto de encuentro para la experimentación y creación entre músicos y filmmakers y los resultados son fascinantes. El evento se realiza con frecuencia en la Cantina Royal de Williamsburg, Brooklyn.

El segundo enfoque de trabajo de Colectivo Piloto es la educación. Hemos desarrollado diversos proyectos educativos al servicio de organizaciones como Save the Children, realizando filmmaking workshops en escuelas de educación secundaria, que sirvan para promover valores como los derechos de los niños y las niñas, la integración social o la inmigración. O los que realizamos para el Ayuntamiento de Barcelona, como kdm;) y El Culebrón del Barrio, dos webseries creadas y producidas con adolescentes, y que han tenido un rotundo éxito participativo. Proyectos que además han servido para la profesionalización de más de cien jóvenes en el sector audiovisual.

En este sentido ¿cuál crees que debe ser el papel de las escuelas de cine en el futuro del audiovisual?

Creo que el papel de las escuelas hoy debe ir más allá de la mera enseñanza de un oficio. Hay que ser más ambicioso, lo que hay que enseñar es a ‘aprender a vivir del oficio aprendido’. Para esto se pueden diseñar varias estrategias como: dedicar buena parte de la currícula a la enseñanza y práctica del sistema de autogestión; generar vínculos con el sector privado para incentivar la producción post-académica; desarrollar plataformas de promoción on-line para la difusión de los trabajos realizados por los alumnos, y generar contenido nativo para estas plataformas mediante la creación de proyectos (autogestionados por los alumnos); incentivar el networking mediante la organización de workshops, seminarios, festivales y eventos que impliquen no sólo a los estudiantes sino gente externa, filmmakers, productores, inversores privados, representantes de los organismos públicos; desarrollar proyectos e iniciativas que impliquen a la comunidad; etc.

Se podría decir que eres un trotamundos: Argentina, Barcelona, ahora Nueva York, ¿qué les dirías a los chicos que quieren crear y su entorno no es el apropiado para hacerlo?

En mi papel de educador siempre he intentado transmitir y estimular la autogestión. Más allá del aprendizaje práctico, el de cómo escribir un guion o utilizar una cámara, es fundamental aprender a autogestionarse y a cultivar una actitud emprendedora y de equipo.

En los jóvenes de hoy es de notable importancia darles a entender que el aprendizaje de un oficio no es suficiente para subsistir. Ese oficio debe venir acompañado de una actitud positiva para afrontar las situaciones más diversas exigidas hoy por el mercado laboral. Y si bien es verdad que es muy difícil sacar adelante tus proyectos, también es verdad que en el fondo no hay nadie ni nada que pueda impedir hacerlos realidad. Pero para conseguirlo hace falta creer que es posible, ser constante, y estar dispuesto a tocar todas las puertas que haya que tocar. Mientras tanto no debes desanimarte si tienes que hacer algo que no te gusta para poder pagar tus cuentas. Es parte del juego, es un proceso.

Has estado trabajando y viviendo en Barcelona, ¿cómo ves la situación del audiovisual en Barcelona y España?

En general el problema de España es la gran dependencia al subsidio. Está bien que los subsidios existan, tanto desde el gobierno autonómico como central y europeo, pero estas ayudas no deberían nunca exceder el 40% del coste de producción. En España representan cerca del 70% o más. El sistema funciona (relativamente bien) en tiempos de bonanza económica, pero ante una crisis, si el mercado de inversión no está diversificado, las consecuencias son desastrosas.

Además, hay que ser honestos, el sistema de subsidios es bastante limitado y en general politizado. Es un modelo que hay que transformar. Sobre todo, hay que cambiar la actitud, tanto los realizadores como los productores y los distribuidores; los contribuyentes no tienen por qué financiar una producción sólo porque tú digas que eres artista y mereces llevar tu película a la pantalla. Hay que diseñar un sistema rentable, abrir y estimular el mercado de inversión al sector privado, y dejar de pensar que con financiación privada perderás la independencia y el control de la obra.

En el caso catalán el panorama es aún más grave, sobre todo porque es un sistema más pequeño y muy conservador.

Nueva York es una ciudad que supura cine por los cuatro costados, encuentras rodajes en cada esquina y los creadores se mueven y se unen de forma natural para hacer cosas. ¿Qué crees que le falta a Barcelona para acercarse a NY?

Nueva York, y Estados Unidos en general, es el caso opuesto, no existen subsidios del estado para la realización de producciones audiovisuales. Ni siquiera una cadena pública como PBS, de muy buen contenido (sobre todo documental) financia la producción audiovisual. Un caso como el de TV3, que encarga un documental a una productora catalana, productora que a su vez recibirá financiación de la Generalitat (y un crédito de pablo-herrera-6Caixa Catalunya) para su realización, es algo que no encaja en el sistema americano. En U.S. todo está financiado mediante sponsors privados y para todo hay que pagar tasas y muchas.

Pero en cambio sí hay ayudas para producciones artísticas, cosa que puede funcionar en proyectos no comerciales o la organización de eventos culturales. De todas maneras, no son ayudas del estado, sino de fundaciones financiadas desde el sector privado, y del mismo público a través de donaciones. Eventos muy importantes en Nueva York como el Summer Stage funcionan gracias a las donaciones del público y de sponsors privados.

Algo interesante a destacar en Nueva York es el programa ‘Made in NY’, una campaña impulsada por la alcaldía de la ciudad, desde la Oficina de Cine, Teatro y Difusión. El programa otorga incentivos de marketing y créditos fiscales a las producciones de cine y televisión que se hayan realizado al menos en un 75% en la ciudad. ‘Made in NY’ también cuenta con un programa de formación que capacita a los residentes de la ciudad como ayudantes de producción. Es una iniciativa muy interesante tanto de marketing y de aprovechamiento de los recursos como de formación profesional.

Me puedes decir una película, libro, obra de teatro o disco que te haya marcado profundamente. Si es posible.. ¿un ejemplo de cada uno de ellos?

Más que una película en concreto podría nombrar un director: Stanley Kubrick. Todas sus películas me parecen grandes y verdaderas obras de arte. Lo que me fascina de Kubrick es su metodología de trabajo, el control del proceso de principio a fin, la grandeza de la perseverancia y la paciencia en la construcción de un film. Virtudes compartidas por mis otros tres directores de referencia: Michelangelo Antonioni, Ingmar Bergman y Andrei Tarkovsky.

En cuanto a libros, 1984 de George Orwell y toda la literatura de Julio Cortázar sin desperdicio.

En lo musical mantengo mi línea existencialista con Lou Reed, especialmente el disco Transformer de 1972, y toda la obra de Kraftwerk de principio a fin.

¿Qué consejo darías a un estudiante de cine que acaba de terminar sus estudios?

Lo primero ser consciente de que un diploma no te va a dar trabajo y no alcanza para financiar tu proyecto. Lo que te va a dar trabajo es tu capacidad para afrontar situaciones adversas con actitud positiva y creatividad.

Lo segundo es perderle el miedo al fracaso. Para tener éxito tienes primero que aprender a fracasar, perseverar en tu objetivo y saber esperar. Suena de libro de autoayuda pero es que no hay más, es tan simple como salir a la palestra y jugar.

 

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UN BRILLO A TRAVÉS DE LOS OJOS DE MELANIE GRIFFITH

Un resplandor en la oscuridad, algo que brilla a través de, quizás los ojos de Melanie Griffith.  Esa podría ser la traducción de Shining Through (1992, David Seltzer) , o más bien la interpretación del título de este melodrama bélico ambientado en la Segunda Guerra Mundial. Hacía tiempo que quería ver esta película, recuerdo que en el momento de su estreno me quedé con ganas de verla y las críticas fueron muy duras con ella. Es más, ganó los premios Razzies a la peor película, peor director y peor actriz protagonistas del

Poster_of_the_movie_Shining_Through[2]año 1993. ¿Qué son los Razzies? Unos premios que se entregan como respuesta irónica a los Oscar de la Academia y premian lo peor que ha podido verse en las pantallas durante aquel año. Todo un honor.

Pues a mí me ha gustado. La trama se desarrolla a modo de relato de la propia protagonista, Melanie Griffith, a través de una entrevista para así rememorar una historia que mezcla intriga, suspense y amor.  Seamos sinceros, el guión de la película avanza a trompicones, dando saltos de rana que permiten desarrollar la trama a expensas de que la lógica narrativa explosione en la delicada mente del espectador. Sí, así es. Seguramente un mejor trabajo o una serie de doce capítulos podría hacer sobrellevar mejor esos ataques a la coherencia narrativa, pero ahí no está el asunto de la película.
Linda es una joven medio judía medio alemana apasionada por las películas de guerra, valiente y arrojada, cuyos conocimientos del alemán la llevan a involucrase como espía y acaba trabajando para su país en una misión que posiblemente ayudará al fin de la Segunda Guerra Mundial. Y por supuesto, está el amor. Se enamora de Michael Douglas. En aquel mismo año, Douglas paseaba su culo por medio mundo, dejándose atar a la cama por Sharon Stone, mientras volvía a fumar e intentaba descubrir si Catherine Tramell era la asesina o no en Instinto básico (1992).

Con estos elementos, la película avanza a medio camino entre el melodrama y la película de espías al más puro estilo Encadenados (1946) de Alfred Hitchcock. Lamentablemente, toda la trama de Linda como espía dentro de la casa del personaje interpretado por Liam Neeson está poco desarrollada ya que podría dar bastante juego en secuencias de suspense y misterio. Eso sí, hay varias escenas de cama entre Melanie y Michael. Entre ellos ha surgido el amor, pero Michael no puede evitar sacar su cara más lasciva, como si tuviera delante a Sharon Stone y el punzón de hielo bien escondido, debajo de la cama.
La ambientación y la dirección artística de la película son maravillosas, así como la banda sonora de Michael Kamen y la acertada dirección de fotografía de Jan de Bont, elementos que intentan trasmitir esa sensación de romanticismo y elegancia que cualquier película retro necesita.

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Pero lo mejor es sin duda el esfuerzo interpretativo de Melanie Griffith. Absorta y emocionada, deliciosamente hermosa, perdida en Berlín, con esa voz lenta y susurrante, a pesar de que es difícil creérsela como espía, si podemos sentirla viva dentro de la trama. Graciosa y dulce, elegantemente peinada, su boca abierta no solo deja vislumbrar sus relucientes dientes blancos, emerge la verdad de una actriz perdida, de una mujer rota. Un brillo a través de sus ojos.

Si bien Melanie se merece un Razzie por muchos papeles en su carrera, nosotros nos merecemos que la veamos, una vez más, correr huyendo de los bombardeos y vestida para la ópera. Iluminada por un resplandor en la oscuridad. Esperando que la salve Michael Douglas en la ficción, y rezando quizás, para que Antonio Banderas la rescate en la vida real.

 

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TOM SELLECK, UN HOMBRE CON BIGOTE

Las personas quedamos marcadas por las decisiones que tomamos. Nuestro futuro cambia, de la noche a la mañana, por decir sí o no ante una determinada propuesta. Para bien o para mal. En el caso de la carrera de un actor queda configurada no sólo por su talento interpretativo, sino también por los papeles que elige. Hay actores que pasan a la historia por los papeles que han interpretado y otros serán recordados por los personajes que desestimaron. Un ejemplo interesante es el de Richard Harrison, actor americano que dijo NO a Sergio Leone y al papel del “hombre sin nombre” de Por un puñado de dólares (1964). Clint Eastwood dijo SI y su leyenda continúa, Harrison terminó protagonizando tom-selleck-fue-magnum-de-1980-a-1988-pero-ahi-se-quedonamxploitations en tierras filipinas en los ochenta y dando vida a una de las sagas más destajistas y vergonzosas de ninjas de la hitoria de la mano de Joseph Lai y Godfrey Ho. Yo siento cariño por su carrera y por las pelis que rodó en Filipinas, pero eso es otra historia y se merece otro post.

Tom Selleck es mucho más que Magnum, es mucho más que un hombre con bigote. Tom Selleck es el actor que dijo NO al papel de Indiana Jones. Recomendado por su agente, Tom se dejó convencer por éste para dar un NO a Steven Spielberg y apostó por llevar bermudas, camisas floreadas y conducir un Ferrari en Hawai como investigador privado en Magnum P.I. (1980-1988). No fue la mejor decisión tal y como demuestra la rencorosa carta que le regaló a su representante hace menos de un año.

http://www.zeleb.es/tv/n/la-desagradable-carta-de-tom-selleck-a-su-representante-el-que-rechazo-indiana-jones-03259
Recientemente he visto Un hombre inocente (1989), una de las películas que interpretó Tom Selleck a finales de los ochenta, la época dorada en la que más “éxitos” tuvo en la gran pantalla. Tres hombres y un bebé (1987), Su coartada (1989) o Un vaquero sin rumbo (1990). Selleck podría haber sido un buen Indiana Jones. ¿Por qué no? De hecho, cualquier papel interpretado por Harrison Ford lo podría haber salido adelante con otro actor; pero no fue así. Nada más que decir. Y que conste que me gusta Harrison Ford, sobre todo cuando parece estar totalmente desorientado como en el clímax con Rutger Hauer en Blade Runner (1982) o después de sufrir un disparo y quedar amnésico en A propósito de Henry (1991).

Tom está muy bien en Un hombre inocente. Y como la propia película, funciona, entretiene y emociona hasta el fin del segundo acto. Tom es un hombre de éxito, mecánico de aviones y felizmente casado, hasta que un día, la mala suerte llega a su vida y unos policías corruptos lo mandan a la cárcel. Un hombre honesto, pacífico y asustadizo entra en el infierno y ha de sacar su peor “yo” para sobrevivir. Y por supuesto, lo hace. Toda la an_innocent_man-508100724-largeparte que se desarrolla en la cárcel es lo mejor de la película. Peter Yates filma con una puesta en escena sobria, el ambiente es duro y las secuencias tienen la suficiente violencia para entender el cambio que se produce en Tom. En su rostro vemos como esa disparatada idea inicial va tomando forma poco a poco. Un hombre inocente va a matar a otro hombre. Esa evolución acompañada por la música de Howard Shore es lo mejor de la película. Shore dota de su característico éxtasis y clímax a estas secuencias en las que el personaje camina hacia situaciones que van a cambiar su vida, que van a transforman su ser. No es casualidad que su música acompañe a las películas de Cronenberg o a El silencio de los corderos (1991). Un director y una película que respectivamente nos explican historias de transformación -La mosca (1986), Inseparables (1988) o Una historia de violencia (2005-) en el caso de Cronenberg; y es una historia de transformación -la de un psicópata y una policía- en el caso de la película dirigida por Jonathan Demme y protagonizada por Jodie Foster.

Nunca sabremos cómo habría resultado la saga de Indiana Jones con Tom Selleck, es posible que no hubiera pasado de encontrar el arca perdida o que su padre hubiera acabado siendo Roger Moore. Eso sí, no me imagino a Harrison Ford con camisas floreadas y en un Ferrari rojo por Hawai y mucho menos luciendo un hermoso bigote.

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EL VERDADERO AMOR DE SLY

Mucho se ha hablado y se ha escrito sobre ellos, por supuesto fueron noticia. Ni tu ni yo podemos recordarlo ya que estábamos pendientes de muchas otras cosas. No demasiadas para ser sinceros; pero si lo suficientemente intensas como para dilapidar tardes y embellecer atardeceres. ¿Qué es una puesta de sol? ¿Por dónde sale el sol? ¿Qué quiere decir que me quieres? Preguntas así delante de espejos deformantes. No eran más que dulces comentarios para Brigitte cada vez que Sly le decía: “Se acabaron las vacaciones “sweet heart”, tenemos que volver a LA”. Tras ese comentario, siempre en voz alta, no había más remedio que dejar Ibiza atrás. Tú y yo tampoco sabíamos que era una puesta de sol. En Dinamarca nunca se ponía el sol y en nuestro patio, lleno de latas oxidadas, repleta de macetas con flores de plástico y botijos calientes nunca aparecía la luna.

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Siempre evitando cualquier respuesta que le pudiera delatar, Sly enfrentaba uno de los episodios más exitosos de su meteórica carrera. El mejor pagado, el más musculoso, el más carismático, el más americano el más querido por Reagan. La sangre italiana corre por sus venas, a mil por hora como los deportivos por la quinta avenida en volandas de la desatada pasión. Nada mejor para calmarlo que el congelado abrazo polar. El amor llegó del frío en forma de estatua, con formas de escultura escandinava. Rumores, son rumores. Duelen más que las balas y que los puñetazos, saltos sin red.

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El amor vino del frío, y la lujuria y la tentación iban tras él, tras el frío también. Y antes que Sly el frío ya lo había probado Arnie, en forma de traición a los Kennedy, puede que la primera. No recuerdo nada de El guerrero rojo, tan solo que Brigitte tenía el pelo muy rojo y que era bellísima. Arnie tenía el pelo largo, no era Conan. ¿Cómo se hace la mermelada? ¿Quién decide dar el primer beso? Todo eso le preguntaba Brigitte a Arnie. Éste, que quería gobernar la región y conquistar el trono no podía más que mirar de reojo y susurrarle al oído: “Si pudiera te llevaría a Ibiza, y te explicaría que es una puesta de sol como las que solo hay en Austria”. Y follaron mucho, tanto que rompieron el silencio y tuvieron que repetir la toma. Richard tan cansado, tan mayor, intentaba mantener el equilibrio en la puesta en escena cinemascopada, alargada, como las espadas, como las piernas de Brigitte. ¿Cómo se lava la ropa a la orilla del río? ¿Triunfaré yo en Hollywood? Richard la miraba a la altura de los ojos, sereno, respetuoso, le quitó un pelo oscuro, largo y liso de la frente y le dijo cariñosamente: “Estoy muy orgulloso de ti, sigue trabajando así y todos hablarán de ti”. Fin de rodaje. Fiesta.

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