10 RAZONES PARA AMAR A STEVEN SEAGAL

La semana pasada tuve la suerte de ver Alerta máxima (1992) en la Sala Phenomena, es decir, pude ver a Steven Seagal en pantalla grande. Soy fan de Seagal desde la primera vez que lo vi rompiendo brazos en una de sus películas. Fue en Buscando Justicia (John Flynn, 1991), una de mis cintas favoritas de su filmografía y que vi en cines. La verdad es que ya había tenido la oportunidad de ver a Seagal en su anterior filme, Difícil de matar (Bruce Malmuth, 1990), pero su visionado en vhs fue una gran decepción. Parecía que el tío de la coleta que se enrollaba a la mujer de rojo no molaba mucho. Así fue y así es, Difícil de matar es bastante floja y aburrida, a pesar de contener algunas de las secuencias más disparatas del cine de acción de los ochenta. Seagal con barba de seis años huyendo under_siege-873606397-largeen la camilla tras salir de un profundo coma no convence, pero quizás la reina del disparate sea la secuencia de seducción/romance con Kelly LeBrock. Es posible que Tommy Wisseau se haya inspirado en ella para hacer su obra maestra The Room (2003). Es floja, pero reconozco que algún fragmento veo de vez en cuando..

En aquella época el cine de acción llenaba las salas con decenas de filmes con estrellas consagradas y otros personajes que buscaban su hueco en el olimpo de los tipos duros musculados. Los consagrados eran Arnold Schwarzenegger, Sylvester Stallone, Jean Claude Van Damme y Chuck Norris, y cada año surgían, como la espuma, nuevos aspirantes al trono del reparto a domicilio como Jeff Speakman, Brian Bosworth, Oliver Grunner, Don “The Dragon” Wilson y Gary Daniels entre otros. Me estoy olvidando a muchos, pero eso sería entrar en otros terrenos más profundos de la catalogación y merecería otro artículo aparte. A ninguno de ellos se le puede considerar estrella de primera línea, pero ¿si te ponen música… tú no bailas? Pues yo sí.

Pues como me gustaba bailar con todos estos tiparracos de gimnasio me fui a bailar con Seagal en su nueva película, Out for Justice, y me encantó. Seagal comienza la peli con un chaleco a pelo, mostrando que no está cachas y eso ya me llamó la atención. Una gorra ladeada en la cabeza y una forma de andar torpe y algo desgarbada. Le da sermones a su hijo y le obliga a rezar; matan a su mejor amigo y el asesino resulta ser un antiguo amigo de la infancia; un irresistible William Forsythe, que no para de esnifar cocaína, fumar crack y que se ha vuelto literalmente loco. Su locura es una de las cosas que más me gustan de la peli. En una secuencia le vuela la tapa de los sesos a una mujer ¡qué le pita con el claxon de su coche! Seagal busca venganza, pide permiso a los capos de la mafia, se pone un abrigo largo y se dedica a romper brazos, rodillas y a mandar a la otra punta de la habitación a cualquiera que ose retarle. Sus movimientos entonces son harmoniosos, con un sentido musical. Combinación de Aikido y golpes con palos de billar adornados con sonidos de huesos quebrantados. Además la dirige John Flynn, responsable de la impactante El ex-preso de Corea (1977) escrita por Paul Schrader. Filmada en as calles de Brooklyn, la fotografía es oscura y decadente y tiene el aroma de la puesta en escena de los años setenta, planos largos, panorámicas, teleobjetivos…

Pero la peli que vi en el Phenomena no era Buscando justicia, sino Alerta máxima. No es una de mis cintas favoritas de Seagal pero si es su película más importante, la de más presupuesto y la que cuenta con un elenco de actores más reconocido (si no incluimos a En tierra peligrosa con Michael Caine). Dirigida por Andrew Davis, sería una especie de Jungla de cristal en un barco militar. La película tiene ritmo, acción, mucho sentido del humor y por momentos se vuelve un poco delirante sobre todo con la subtrama relacionada con los villanos. Gary Busey se disfraza de mujer y Tommy Lee Jones de rockero y tiene grandes dolores de cabeza que por momentos le hacen poner voces de dibujos animados. Es como si en aquel barco todos estuvieran totalmente locos. Seagal hace de cocinero experto en armas, explosivos, todo un especialista y la exótica Erika Eleniak sale de un pastel desnuda enseñando sus operados atributos. Todo ese cóctel, magníficamente filmado, no sólo fue muy americano (la película comienza con George H. W. Bush visitando el buque militar) sino que fue un rotundo éxito de taquilla.

¿Quieres más motivos para amar con desenfreno a Steven Seagal? Aquí tienes diez, pero seguro que podemos encontrar muchos más…

1 (Casi) Siempre ha llevado coleta, cuando no estaba para nada de moda. De frondoso pelo negro a pesar de que en Por encima de la ley (1988) luciera entradas y una incipiente calvicie.

2 Habla italiano y muchos idiomas más.  A pesar de que su origen sea una mezcla de orígnes judío e indio cherokee, muchos de sus papeles son de italiano y si hay que hablar italiano se habla. Lo mismo ocurre con el francés, castellano o ruso.

3 Susurra al hablar, pero hace que los malos griten. Esa combinación me parece demoledora. Te puede decir que te va a moler a palos de la misma manera que le hablaría a un bebé. Eso sí, luego te va a destrozar los huesos como si partiera doritos.

4 Estuvo casado con Kelly Le Brock. Se casó con la mujer de rojo, al igual que el matrimonio Stallone/Nielsen, fue breve, emocionante y les dio tiempo a hacer una peli juntos.

5 Ama y defiende los animales. El amor a los animales se hace extensible a la naturaleza, los bosques y en general el mundo. Cuando tuvo el mundo en sus manos y el poder para hacer lo que quisiera se dedicó a hacer pelis con fuerte contenido ecologista y de defensa medioambiental como En tierra peligrosa (1994) dirigida por el propio Seagal. Toda una declaración de intenciones.

6 Es músico y toca en una banda. Su banda se llama Steven Seagal Blues Band, ha sacado varios discos y ha llegado a tocar incluso con B.B. King, amigo y mentor de Seagal.

7 Rueda de manera incesante. Películas para televisión, direct to video movies. Los nuevos trabajos de Seagal no dejan de aparecer a pesar de que físicamente no luzca espléndido y la puesta en escena y el montaje tengan que compensar sus carencias físicas. En estos años se mueve por tierras rusas y en países del este donde rueda con facilidad. Es un gran amigo de Putin con el que practica artes marciales.

8 Trabaja como policía. Es jefe adjunto de la División de Voluntarios de la Oficina del Sheriff en Jefferson, ciudad del estado de Luisiana. La justicia no es algo que sólo se aplique en la ficción, sino tiene su reverso en la vida real. En la serie Steven Seagal: Lawman se le puede ver dando lecciones de Aikido, deteniendo a malhechores y demostrando su buena puntería.

9 Casi todos sus títulos originales están compuestos de tres palabras. Brevedad y contundencia como marca de estilo y como sello personal. Abowe de Law, Hard to Kill, Out for Justice, Marked for Death, On Deadly Ground, The Glimmer Man, Fire Down Below..

10 Sus películas son perfectas para cuando uno llega de fiesta. Está entre mis preferidos para el último suspiro después de una larga noche de baile y diversión. El sol apunta en el horizonte, la última cerveza, el trozo de pizza que sobró de la noche y… Steven Seagal fracturando algún cubito o radio, suena a música celestial para suavizar el tránsito al sueño.

Por estas diez razones y muchas más hay que amar a Steven Seagal.

 

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BELLEZA DE NEÓN Y MUERTE

The Neon Demon (2016), la última película de Nicolas Winding Refn se sumerge en un sueño del que es difícil despertar. Como en su anterior filme, Only God Forgives (2013), las tramas se van simplificando cada vez de manera más radical hasta llegar a la abstracción. Al igual que sus imágenes; instantáneas, vivas, electrizantes y embriagadoras; tan banales como seductoras que quisieras dormir en ellas. Es como bailar bajo los efectos ya2zzl95del éxtasis en una pista de baile; no hay nada más que hacer que esperar a que baje el efecto o a que termine la música.

“La belleza no es lo más importante, lo es todo”. Bajo esta premisa verbalizada por uno de los protagonistas, se articula toda la película de Refn.  Suspendidos en un futuro cercano, posiblemente de unas horas, en un presente de nostalgia retro, los elementos como el neón, el terciopelo, el cuero, la madera, el acero e incluso la sangre,  brillan en claroscuros para envolver, esconder y resaltar la belleza de sus protagonistas. Todo deslumbra y a la vez todo es negrura en The Neon Demon.

Jesse llega a Hollywood con el sueño de conquistarlo y ser una estrella más en el firmamento de las modelos y las actrices. Su belleza natural, pura y virginal desatará la maldad entre sus rivales, compañeras y amantes. O quizás es el mal que ya existe en la propia ciudad de Los Ángeles la que se apoderará de ella. Esta excusa argumental, utilizada tantas veces en películas como Ha nacido una estrella (en sus diferentes versiones) o Mulholland Drive (2001), sirve a NWR (tal y como firma en los créditos) para articular un discurso sobre la belleza en nuestros tiempos y las consecuencias de la excesiva importancia que se le da. Discurso que, de una manera superficial, al igual que la belleza, surge de las perfectas bocas de las protagonistas, pero que cobra fuerza y explota como una bomba en el cerebro del espectador gracias a muchas de las imágenes de la película. Momentos suspendidos en un coma profundo mezclados con ataques epilépticos de luz de neón que, gracias al trabajo de la directora de fotografía, Natasha Braier, dan sentido a la fina narrativa del filme y la llevan a un nivel simbólico.

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Como las chicas del “giallo” fantástico de Dario Argento Suspiria (1977), nuestras protagonistas se mueven entre colores rojos, azules y verdes y quedan atrapadas en cuadros con hermosas muertes, a veces fingidas, otras reales. La belleza está también en la oscuridad y quizás, en la muerte.

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TAXI DRIVER CUMPLE 40 AÑOS

De una espesa niebla que cubre completamente la pantalla aparece el taxi que recorrerá cada noche las sucias y peligrosas calles de Nueva York. Los nombres de los protagonistas sobre el fondo neblinoso desaparecen y los ojos de Robert de Niro ocupan completamente la pantalla. La música de Bernard Hermann repentinamente cambia de tercio, de una melodía contundente y trágicamente épica a una dulce música jazz. Los transeúntes y las calles se distorsionan en diferentes colores y la música vuelve a cambiar. Estamos en la mente de Travis Bickler, desdoblada, como la banda sonora de Hermann.


Este es el principio de Taxi Driver, una de las películas más importantes de la historia del cine y que este año celebra los cuarenta años de su estreno. Taxi Driver es una película de culto por infinidad de razones. Supuso la película que catapultó a Martin Scorsese como uno de los mejores directores del panorama mundial; el cineasta contaba con sólo 34 años y consiguió la Palma del Festival de Cannes y varias nominaciones por su original trabajo. Fue también la primera colaboración entre Scorsese y el guionista Paul Schrader, posteriormente vendrían Toro Salvaje (1980),  La última tentación de Cristo (1988) y  Al límite  (1999).  Taxi Driver  ha marcado, sin duda, parte de la obra de Schrader, ya que muchos de sus guiones tienen una estructura similar y ofrecen retratos de personajes que descienden directamente a los infiernos buscando cualquier tipo de redención o salvación como ocurre en  El ex-preso de Corea  (1977) y en  Hardcore: un mundo oculto (1979).

También supuso la consagración definitiva de Robert de Niro como estrella del cine tras haber ganado previamente un Oscar como mejor actor secundario por El Padrino II (1974). De Niro simplemente brilla en cada secuencia. Hace un trabajo que recorre desde la sutileza hasta las acciones más explosivas, además de ofrecer uno de sus primeros despliegues de transformaciones en un papel: de paleto a auténtico psicópata demacrado con cresta incluida; en la película venos como su cuerpo se va musculando y pasa de un1461344723_775731_1461345192_noticia_normal auténtico enclenque a fibrado. El resto del trabajo de los actores es también excelente: la prostituta adolescente interpretada por Jodie Foster, la idealista colaboradora en la campaña presidencial que interpreta Cybill Sheherd, un Harvey Keitel en el papel de proxeneta o el Peter Boyle dando vida al taxista apodado “El Mago”.

Taxi Driver es un recorrido por la cara más oscura de la sociedad norteamericana de la época y por todos sus males. Un recorrido por la noche oscura del alma a través de los ojos de un héroe involuntario. Un paseo a través de la niebla que ensucia la mente humana y que nunca deja de sorprender ni de emocionar. Un paseo que cumple cuatro décadas y que tendremos la oportunidad de volver a ver en las salas de cine durante este final de 2016.

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THE LAST PICTURE SHOW, CADA SESIÓN ES LA ÚLTIMA

El tiempo pasa de una manera inexorable en The Last Picture Show. Desde el primer plano, una extraña panorámica, la película de Bogdanovich intenta atrapar el paso del tiempo, comprimirlo y a la vez huir de él. La panorámica es extraña porque la cámara se desplaza de derecha a izquierda, en un sentido inverso al habitual, al que nos tiene habituados el ojo que coincide con el sentido de la escritura y la lectura. La cámara se mueve siguiendo el viento que arrastra hojas y arena. Ese mismo viento que impide a los personajes evolucionar, crecer y huir del pueblo en el que viven atrapados.

La sala de cine prepara su última sesión mientras los personajes no pueden más que recordar amores que no olvidan, historias que pudieron ser, errores que debieron cometer.

La nostalgia atrapa el tiempo para enmarcarlo en un precioso blanco y negro. A la vez nunca dejan de suceder cosas en The Last Picture Show. Las elipsis se suceden entre secuencia y secuencia, entre plano y plano. La sensación es que el tiempo se gasta y se escapa mientras la historia no parece evolucionar.

En una de estas maravillosas elipsis los dos amigos interpretados por Timothy Bottoms y Jeff Bridges miran en el cine Río rojo de John Ford. Los protagonistas del western gritan dispuestos a trasportar el ganado a través de los extensos campos del viejo oeste. Es la última sesión y la despedida de los amigos. Instantes después un camión que transporta ganado atropella y mata al personaje del chico retrasado interpretado por Sam Bottoms. Se produce una elipsis entre la película de John Ford y la propia de Bogdanovich.  Algo más que la vida de un personaje muere en este trayecto.

La nostalgia del cine que entonces ya moría sigue vigente hoy en día.  El cine nunca deja de morir. Cada sesión es la última.

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BIENVENIDAS CAZAFANTASMAS

Si sucede algo extraño en tu vecindario ya sabes a quien tienes que llamar; a las Cazafantasmas. Después de veintiséis años de no responder al teléfono, los problemas relacionados con espectros y fantasmas ya vuelven a tener una respuesta. Durante años se habían escuchado infinidad de rumores sobre la posible tercera entrega de la saga iniciada en 1984 por Ivan Reitman; pero diferencias de opiniones entre los protagonistas y alguna mala noticia como la muerte de Harold Ramis – uno de los creadores de la franquicia- hicieron imposible su existencia. Finalmente, y de la mano de uno de los nuevos “artesanos” de la comedia americana, Paul Feig y con un reparto que cambia a aquellos humoristas tan carismáticos de los ochenta (Dan Aykroyd, Harold Ramis, Bill Murray y en menor medida Ernie Hudson) por un grupo de las mejores humoristas del momento en USA (Melissa Mccarthy, Kristen Wiig, Kate McKinoon y Leslie Jones), llega este remake/secuela.  Al igual que aquellos, las nuevas cazafantasmas provienen del mítico show televisvo Saturday Night Live, programa que ha sido la cantera de los mejores humoristas norteamericanos de los últimos cuarenta años como Billy Cristal, Eddie Murphy o John Belushi.

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Sinceramente, la película está bastante bien. Tiene más aciertos que fallos y no desmerece para nada a la original. En este caso, el material de partida es una película mítica, inolvidable, carismática, representativa y emblemática de una época determinada; el cine de los ochenta. La herencia, la nostalgia y el recuerdo la han llevado a una categoría que va mucho más allá de lo que realmente es; una película divertida y graciosa. Partiendo de esta premisa, la película de Feig cumple con las expectativas a la perfección. El modelo de lathRPE6081F historia es el de la original, contiene buenas dosis de comedia, que encuentran en el personaje de “secretario torpe” interpretado por Chris Hemsworth sus secuencias más divertidas, unos cuántos sustos bien trabajados, una dirección y puesta en escena muy correctas y unos excelentes efectos especiales muy superiores a los de la original.

Como factores negativos podríamos reclamar más carisma por parte de “las chicas”, aunque es posible que nuestra falta de “cultura humorística norteamericana” sea la culpable de no disfrutar de algunos de los gags que nos regalan. El otro factor negativo es que se trata de un producto demasiado “blanco” orientado de forma exagerada a público familiar e infantil y en algunos momentos se echa en falta algo de la “mala leche” que contenía la original. En aquella podíamos disfrutar del descaro de Bill Murray, toda su relación romántica con Sigourney Weaver y alguna secuencia delirante como el sueño erótico de Dan Akroyd.

Eso sí, la cinta contiene infinidad de guiños y cameos homenajeando a “Los Cazafantasmas” por lo que la diversión está garantizada. Bienvenidas Cazafantasmas.

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VEN A PECAR A LES GANDULES DE LA MANO DE DESIRÉE DE FEZ

Si te perdiste las sesiones a la fresca de Sala Montjuïc todavía tienes la oportunidad durante este mes de agosto de disfrutar de buen cine al aire libre. En esta ocasión la propuesta es diferente y el lugar elegido también. Se trata de “Gandules, cine de verano”, la actividad que cumple este año su decimosexta edición y que proyecta sus películas en el Pati de les Dones del CCCB.

Las programaciones de les Gandules tiene un carácter más alternativo con títulos cercanos al cine independiente o más difícil de ver en circuitos comerciales normales, lo que supone siempre una gran oportunidad para descubrir nuevas películas o cintas olvidadas.

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Bajo un título representativo, cada año la programación viene determinada por un tema que este año responde al lema HE PECADO. Aprovechando que es verano, la estación ideal para pecar, la crítica de cine Desirée de Fez ha confeccionado una lista de títulos que darán forma a diferentes pecados como la lujuria, la pereza, la gula, la envidia y otros más.

La programación incluye títulos como la reciente y aclamada cinta de terror Babadook (2014) representando la ira; la sorprendente y alucinante “El rapto de Bunny Lake” (1965) -una de las películas menos conocidas y más misteriosas de Otto Preminger- para dar vida a la envidia, una absoluta joya del cine fantástico como es “Amenza en la sombra” (1974) que nos hablará de la tristeza, o el delirio psicotrónico en forma de thriller romántico “The Room” (2003) que cobijará a la soberbia. En definitiva, una lista de pecados muy atractivos y una lista de películas a descubrir, títulos que se han convertido en películas de culto y que esperan ansiosas ser vistas.

Las sesiones son hasta el 25 de agosto y son gratuitas. Eso, sí, el aforo es limitado.

Aprovecha la oportunidad, ven a pecar a les Gandules.

Para más información: http://www.cccb.org/es/marco/ficha/gandules16-gas-natural-fenosa/224056

 

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ENTREVISTA A PABLO HERRERA

Pablo Herrera Marín es uno de los fundadores de Colectivo Piloto, organización sin ánimo de lucro nacida en Barcelona en el año 2004 y que ha gestionado diversas actividades culturales y educativas dentro del campo audiovisual.

Filmmaker y productor nacido en Argentina, Pablo ha trabajado en Barcelona por más de 12 años impulsando con éxito proyectos audiovisuales y culturales para el Ayuntamiento de Barcelona y otras organizaciones del tercer sector como Save The Children. La notoriedad de sus proyectos se debe en gran parte a su carácter emprendedor y a un sistema de producción y financiación diversificado; virtudes y estrategias que lo convierten en un modelo a imitar dentro de un sector cada vez más competitivo.

Desde el 2013 Pablo reside en la ciudad Nueva York desde donde continúa con la creación y gestión de diversos proyectos culturales y audiovisuales.

Recientemente he tenido la oportunidad de entrevistarlo a propósito de la realización de la Primavera de los Realizadores en Nueva York, un festival de cine independiente que está organizando con el Colectivo Piloto en la Gran Manzana, y que estrenará su primera edición en la primavera de 2017.

¿De dónde surge tu pasión por el audiovisual?

Mi relación con el campo audiovisual aparece durante la realización de la maestría en Artes Visuales que estaba desarrollando en la Universidad de Barcelona en el año 2002. Para mi tesis en la maestría estaba produciendo un corto documental sobre el impacto de las transformaciones urbanas en la Barcelona Post-Olímpica de los Juegos de 1992. El documental fue un “work in progress”, que además de despertar mi curiosidad por la producción audiovisual, me llevó a desarrollar un pensamiento crítico sobre las políticas sociales. Después de ese proyecto mi visión sobre el arte y el papel del artista en la sociedad cambió por completo.

¿Crees que el cine y el audiovisual son armas que pueden cambiar el mundo y la sociedad?

Absolutamente. Respeto el cine como industria de entretenimiento, pero yo prefiero hacer cosas que sirvan para algo más. Lo que me estimula de mi trabajo es hacer proyectos que contribuyan de alguna manera al desarrollo social, que tengan un sentido constructivo para la comunidad. Por eso creamos el Colectivo Piloto, que es una organización desde la cual promovemos proyectos culturales y educativos con esa perspectiva.

¿Qué tipo de proyectos desarrolla el Colectivo Piloto?

Desarrollamos proyectos culturales que sirvan como plataforma para la promoción artística, y proyectos educativos y de divulgación social.

En el primer caso buscamos contribuir al desarrollo artístico de nuevos profesionales del sector, ayudándolos a introducirse en el mercado audiovisual. Un ejemplo es la Primavera de los Realizadores en Nueva York, un festival de cine independiente que cuenta con el pablo-herrera-2soporte del Instituto Cervantes de Nueva York, y que servirá para incentivar el mercado de coproducción entre España, Latinoamérica y Estados Unidos. La primera edición del festival se llevará a cabo en la primavera de 2017.

Otro evento importante que estamos haciendo en Nueva York es la Electrofilmika, que son proyecciones cinematográficas y de arte visual con música electrónica y avanzada en vivo. El evento nació en Barcelona en el año 2009 y ahora lo hemos traído a Nueva York. Electrofilmika es un muy buen punto de encuentro para la experimentación y creación entre músicos y filmmakers y los resultados son fascinantes. El evento se realiza con frecuencia en la Cantina Royal de Williamsburg, Brooklyn.

El segundo enfoque de trabajo de Colectivo Piloto es la educación. Hemos desarrollado diversos proyectos educativos al servicio de organizaciones como Save the Children, realizando filmmaking workshops en escuelas de educación secundaria, que sirvan para promover valores como los derechos de los niños y las niñas, la integración social o la inmigración. O los que realizamos para el Ayuntamiento de Barcelona, como kdm;) y El Culebrón del Barrio, dos webseries creadas y producidas con adolescentes, y que han tenido un rotundo éxito participativo. Proyectos que además han servido para la profesionalización de más de cien jóvenes en el sector audiovisual.

En este sentido ¿cuál crees que debe ser el papel de las escuelas de cine en el futuro del audiovisual?

Creo que el papel de las escuelas hoy debe ir más allá de la mera enseñanza de un oficio. Hay que ser más ambicioso, lo que hay que enseñar es a ‘aprender a vivir del oficio aprendido’. Para esto se pueden diseñar varias estrategias como: dedicar buena parte de la currícula a la enseñanza y práctica del sistema de autogestión; generar vínculos con el sector privado para incentivar la producción post-académica; desarrollar plataformas de promoción on-line para la difusión de los trabajos realizados por los alumnos, y generar contenido nativo para estas plataformas mediante la creación de proyectos (autogestionados por los alumnos); incentivar el networking mediante la organización de workshops, seminarios, festivales y eventos que impliquen no sólo a los estudiantes sino gente externa, filmmakers, productores, inversores privados, representantes de los organismos públicos; desarrollar proyectos e iniciativas que impliquen a la comunidad; etc.

Se podría decir que eres un trotamundos: Argentina, Barcelona, ahora Nueva York, ¿qué les dirías a los chicos que quieren crear y su entorno no es el apropiado para hacerlo?

En mi papel de educador siempre he intentado transmitir y estimular la autogestión. Más allá del aprendizaje práctico, el de cómo escribir un guion o utilizar una cámara, es fundamental aprender a autogestionarse y a cultivar una actitud emprendedora y de equipo.

En los jóvenes de hoy es de notable importancia darles a entender que el aprendizaje de un oficio no es suficiente para subsistir. Ese oficio debe venir acompañado de una actitud positiva para afrontar las situaciones más diversas exigidas hoy por el mercado laboral. Y si bien es verdad que es muy difícil sacar adelante tus proyectos, también es verdad que en el fondo no hay nadie ni nada que pueda impedir hacerlos realidad. Pero para conseguirlo hace falta creer que es posible, ser constante, y estar dispuesto a tocar todas las puertas que haya que tocar. Mientras tanto no debes desanimarte si tienes que hacer algo que no te gusta para poder pagar tus cuentas. Es parte del juego, es un proceso.

Has estado trabajando y viviendo en Barcelona, ¿cómo ves la situación del audiovisual en Barcelona y España?

En general el problema de España es la gran dependencia al subsidio. Está bien que los subsidios existan, tanto desde el gobierno autonómico como central y europeo, pero estas ayudas no deberían nunca exceder el 40% del coste de producción. En España representan cerca del 70% o más. El sistema funciona (relativamente bien) en tiempos de bonanza económica, pero ante una crisis, si el mercado de inversión no está diversificado, las consecuencias son desastrosas.

Además, hay que ser honestos, el sistema de subsidios es bastante limitado y en general politizado. Es un modelo que hay que transformar. Sobre todo, hay que cambiar la actitud, tanto los realizadores como los productores y los distribuidores; los contribuyentes no tienen por qué financiar una producción sólo porque tú digas que eres artista y mereces llevar tu película a la pantalla. Hay que diseñar un sistema rentable, abrir y estimular el mercado de inversión al sector privado, y dejar de pensar que con financiación privada perderás la independencia y el control de la obra.

En el caso catalán el panorama es aún más grave, sobre todo porque es un sistema más pequeño y muy conservador.

Nueva York es una ciudad que supura cine por los cuatro costados, encuentras rodajes en cada esquina y los creadores se mueven y se unen de forma natural para hacer cosas. ¿Qué crees que le falta a Barcelona para acercarse a NY?

Nueva York, y Estados Unidos en general, es el caso opuesto, no existen subsidios del estado para la realización de producciones audiovisuales. Ni siquiera una cadena pública como PBS, de muy buen contenido (sobre todo documental) financia la producción audiovisual. Un caso como el de TV3, que encarga un documental a una productora catalana, productora que a su vez recibirá financiación de la Generalitat (y un crédito de pablo-herrera-6Caixa Catalunya) para su realización, es algo que no encaja en el sistema americano. En U.S. todo está financiado mediante sponsors privados y para todo hay que pagar tasas y muchas.

Pero en cambio sí hay ayudas para producciones artísticas, cosa que puede funcionar en proyectos no comerciales o la organización de eventos culturales. De todas maneras, no son ayudas del estado, sino de fundaciones financiadas desde el sector privado, y del mismo público a través de donaciones. Eventos muy importantes en Nueva York como el Summer Stage funcionan gracias a las donaciones del público y de sponsors privados.

Algo interesante a destacar en Nueva York es el programa ‘Made in NY’, una campaña impulsada por la alcaldía de la ciudad, desde la Oficina de Cine, Teatro y Difusión. El programa otorga incentivos de marketing y créditos fiscales a las producciones de cine y televisión que se hayan realizado al menos en un 75% en la ciudad. ‘Made in NY’ también cuenta con un programa de formación que capacita a los residentes de la ciudad como ayudantes de producción. Es una iniciativa muy interesante tanto de marketing y de aprovechamiento de los recursos como de formación profesional.

Me puedes decir una película, libro, obra de teatro o disco que te haya marcado profundamente. Si es posible.. ¿un ejemplo de cada uno de ellos?

Más que una película en concreto podría nombrar un director: Stanley Kubrick. Todas sus películas me parecen grandes y verdaderas obras de arte. Lo que me fascina de Kubrick es su metodología de trabajo, el control del proceso de principio a fin, la grandeza de la perseverancia y la paciencia en la construcción de un film. Virtudes compartidas por mis otros tres directores de referencia: Michelangelo Antonioni, Ingmar Bergman y Andrei Tarkovsky.

En cuanto a libros, 1984 de George Orwell y toda la literatura de Julio Cortázar sin desperdicio.

En lo musical mantengo mi línea existencialista con Lou Reed, especialmente el disco Transformer de 1972, y toda la obra de Kraftwerk de principio a fin.

¿Qué consejo darías a un estudiante de cine que acaba de terminar sus estudios?

Lo primero ser consciente de que un diploma no te va a dar trabajo y no alcanza para financiar tu proyecto. Lo que te va a dar trabajo es tu capacidad para afrontar situaciones adversas con actitud positiva y creatividad.

Lo segundo es perderle el miedo al fracaso. Para tener éxito tienes primero que aprender a fracasar, perseverar en tu objetivo y saber esperar. Suena de libro de autoayuda pero es que no hay más, es tan simple como salir a la palestra y jugar.

 

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