AUTOHEAD, DIRECTO A TU CABEZA

Directo a tu cabeza. Ahí es donde te golpea el visionado de Autohead (2016), extraño, contundente y magnífico trabajo realizado por Rohit Mittal. Extraño porque supone una mezcla de géneros que cuesta definir y catalogar: falso documental, ficción, género de terror, thriller, drama costumbrista, found footage y reportaje televisivo; para volver de nuevo al documental sobre cine. Brillante ejercicio de metacine con un final tan inesperado como deseado.

autohead-325490731-largeAutohead narra la historia de Narayan, el conductor de un ricksaw en Bombai. Los ricksaws son unos pequeños vehículos de tres ruedas que circulan por las transitadas calles de muchos países asiáticos. Empujados, movidos mediante pedaleo o directamente motorizados (como en el caso de Autohead) son el medio de transporte habitual en la India, dentro de las ciudades y pueblos. Narayan no sólo es el protagonista de “Authead”, sino que es el protagonista de un documental que están realizando un grupo de jóvenes cineastas, que de manera irónica están interpretados por el propio Rohit Mittal y su sonidista y cámara. A medida que avanza la trama vamos entrando en la “enferma” psique de Narayan, interpretado magistralmente por Deepak Sampat, y le acompañamos en sus turbulentas noches y sus miedos más profundos. Al igual que el Travis Bickle de Taxi Driver (1974), Mittal y Sampat nos introducen en las sucias calles de Bombai y en la esquizofrénica realidad de un vulgar conductor que tiene también como objetivo limpiar la ciudad de aquellos elementos que la contaminen. Pero el personaje de Narayan va mucho más allá que Travis Bickle y se traduce en su relación con la prostituta. No sólo la acompaña a ver sus clientes, sino que la ama, hace de “improvisado” proxeneta. Su misión no es salvarla de su equivocada vida, sino salvarla del propio infierno que recorre su sangre y su alma. Si Scorsese hubiera nacido en la India hubiera realizado “Autohead”.

El giro más inesperado de la película y que la eleva a una dimensión especial, es el propio rodaje del documental. Poco a poco, el equipo de realizadores de la película va tomando protagonismo a medida que se van sucediendo los crímenes del propio Narayan. En un ejercicio de lucidez y ética cinematográfica, los realizadores sufren un conflicto de intereses que les hacer plantearse: ¿debemos seguir con la filmación? ¿debemos acudir a la policía? Los realizadores se decantan por la segunda opción en la que (bajo mi punto de vista) es la única escena de pura ficción de la trama pero que está filmada de una manera tan cruda y realista que parece documental. A continuación, llega uno de los finales más sorprendentes y a la vez anhelados que he visto en los últimos años. En una cinta donde cuesta empatizar con los protagonistas por el tono agrio, duro y demoledor de su puesta en escena y de sus personajes; los realizadores se convierten en la verdadera escoria de la sociedad y en los auténticos corruptores de ésta. Rohit nos dice que ser cineasta conlleva una responsabilidad, así como nuestras películas tienen unas consecuencias que asumir. Quizás sea hora de limpiar también la ciudad de sucios cineastas.

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MOZ AND I, LA BANDA SONORA DE TU VIDA

Moz and I (2016) es como una de aquellas inolvidables noches de fiesta, eternas e imprevisibles. Uno comienza tranquilamente, a la expectativa, con la sensación de estar en terreno conocido y jugando en casa; pero, poco a poco, sorpresa a sorpresa, acabas inmerso en una sorprendente noche; cambiando de local, de gente, de música. Todo para pasártelo cada vez mejor y mejor.

poster-festivales-moz-and-i_acentosEl documental dirigido por Edgar Burgos y Esther Lopera comienza como un simple retrato, filmado con elegancia y sencillez, de uno de los iconos más admirados de la música moderna, Morrissey, solista y exlíder de la banda The Smiths, para terminar llegando a tu corazón y emocionarte gracias a la búsqueda de la verdad que se encuentra en el alma de cada fan. Moz and I va cambiando de tema y de historia como si estuviéramos en una de aquellas sesiones de Luis Le Nuit en el Bar Fantástico o en la Sala Razzmatazz. El dj Luis Le Nuit es otro de los protagonistas del documental, que actúa como leitmotiv de esta inteligente y sensible “sesión” que es Moz and I. Gracias al relato de personajes básicos de la escena musical nacional como Florent y Eric de Los Planetas, Mike Erentxun o los miembros de McEnroe, conocemos un poco mejor a Morrissey y sobre todo a Luis le Nuit. Gracias a Luis le Nuit recordamos una de los momentos culturales más importantes de la movida barcelonesa de los últimos años: la escena de clubs asociada especialmente a la música pop e indie. Y gracias a amigos y familiares de Luis entendemos que es el fenómeno fan. Los realizadores mezclan todos estos temas como si se trataran de dj’s y para aquellos que hemos vivido esas noches de música y bailes en Barcelona no podemos dejar de pensar que estamos ante un maravilloso regalo. Moz and I contiene suficientes elementos para ser considerado no sólo un gran documental musical sino un retrato indispensable de una época concreta en Barcelona y de un fenómeno que toda generación tiene el suyo: el del fan.

Si en tu alma hay un mínimo porcentaje de síndrome fan, este documental, realmente no va sobre todos estos temas que acabo de explicarte. Este documental va sobre ti. Porque no deja de ser la banda sonora de tu vida.

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10 RAZONES PARA AMAR A STEVEN SEAGAL

La semana pasada tuve la suerte de ver Alerta máxima (1992) en la Sala Phenomena, es decir, pude ver a Steven Seagal en pantalla grande. Soy fan de Seagal desde la primera vez que lo vi rompiendo brazos en una de sus películas. Fue en Buscando Justicia (John Flynn, 1991), una de mis cintas favoritas de su filmografía y que vi en cines. La verdad es que ya había tenido la oportunidad de ver a Seagal en su anterior filme, Difícil de matar (Bruce Malmuth, 1990), pero su visionado en vhs fue una gran decepción. Parecía que el tío de la coleta que se enrollaba a la mujer de rojo no molaba mucho. Así fue y así es, Difícil de matar es bastante floja y aburrida, a pesar de contener algunas de las secuencias más disparatas del cine de acción de los ochenta. Seagal con barba de seis años huyendo under_siege-873606397-largeen la camilla tras salir de un profundo coma no convence, pero quizás la reina del disparate sea la secuencia de seducción/romance con Kelly LeBrock. Es posible que Tommy Wisseau se haya inspirado en ella para hacer su obra maestra The Room (2003). Es floja, pero reconozco que algún fragmento veo de vez en cuando..

En aquella época el cine de acción llenaba las salas con decenas de filmes con estrellas consagradas y otros personajes que buscaban su hueco en el olimpo de los tipos duros musculados. Los consagrados eran Arnold Schwarzenegger, Sylvester Stallone, Jean Claude Van Damme y Chuck Norris, y cada año surgían, como la espuma, nuevos aspirantes al trono del reparto a domicilio como Jeff Speakman, Brian Bosworth, Oliver Grunner, Don “The Dragon” Wilson y Gary Daniels entre otros. Me estoy olvidando a muchos, pero eso sería entrar en otros terrenos más profundos de la catalogación y merecería otro artículo aparte. A ninguno de ellos se le puede considerar estrella de primera línea, pero ¿si te ponen música… tú no bailas? Pues yo sí.

Pues como me gustaba bailar con todos estos tiparracos de gimnasio me fui a bailar con Seagal en su nueva película, Out for Justice, y me encantó. Seagal comienza la peli con un chaleco a pelo, mostrando que no está cachas y eso ya me llamó la atención. Una gorra ladeada en la cabeza y una forma de andar torpe y algo desgarbada. Le da sermones a su hijo y le obliga a rezar; matan a su mejor amigo y el asesino resulta ser un antiguo amigo de la infancia; un irresistible William Forsythe, que no para de esnifar cocaína, fumar crack y que se ha vuelto literalmente loco. Su locura es una de las cosas que más me gustan de la peli. En una secuencia le vuela la tapa de los sesos a una mujer ¡qué le pita con el claxon de su coche! Seagal busca venganza, pide permiso a los capos de la mafia, se pone un abrigo largo y se dedica a romper brazos, rodillas y a mandar a la otra punta de la habitación a cualquiera que ose retarle. Sus movimientos entonces son harmoniosos, con un sentido musical. Combinación de Aikido y golpes con palos de billar adornados con sonidos de huesos quebrantados. Además la dirige John Flynn, responsable de la impactante El ex-preso de Corea (1977) escrita por Paul Schrader. Filmada en as calles de Brooklyn, la fotografía es oscura y decadente y tiene el aroma de la puesta en escena de los años setenta, planos largos, panorámicas, teleobjetivos…

Pero la peli que vi en el Phenomena no era Buscando justicia, sino Alerta máxima. No es una de mis cintas favoritas de Seagal pero si es su película más importante, la de más presupuesto y la que cuenta con un elenco de actores más reconocido (si no incluimos a En tierra peligrosa con Michael Caine). Dirigida por Andrew Davis, sería una especie de Jungla de cristal en un barco militar. La película tiene ritmo, acción, mucho sentido del humor y por momentos se vuelve un poco delirante sobre todo con la subtrama relacionada con los villanos. Gary Busey se disfraza de mujer y Tommy Lee Jones de rockero y tiene grandes dolores de cabeza que por momentos le hacen poner voces de dibujos animados. Es como si en aquel barco todos estuvieran totalmente locos. Seagal hace de cocinero experto en armas, explosivos, todo un especialista y la exótica Erika Eleniak sale de un pastel desnuda enseñando sus operados atributos. Todo ese cóctel, magníficamente filmado, no sólo fue muy americano (la película comienza con George H. W. Bush visitando el buque militar) sino que fue un rotundo éxito de taquilla.

¿Quieres más motivos para amar con desenfreno a Steven Seagal? Aquí tienes diez, pero seguro que podemos encontrar muchos más…

1 (Casi) Siempre ha llevado coleta, cuando no estaba para nada de moda. De frondoso pelo negro a pesar de que en Por encima de la ley (1988) luciera entradas y una incipiente calvicie.

2 Habla italiano y muchos idiomas más.  A pesar de que su origen sea una mezcla de orígnes judío e indio cherokee, muchos de sus papeles son de italiano y si hay que hablar italiano se habla. Lo mismo ocurre con el francés, castellano o ruso.

3 Susurra al hablar, pero hace que los malos griten. Esa combinación me parece demoledora. Te puede decir que te va a moler a palos de la misma manera que le hablaría a un bebé. Eso sí, luego te va a destrozar los huesos como si partiera doritos.

4 Estuvo casado con Kelly Le Brock. Se casó con la mujer de rojo, al igual que el matrimonio Stallone/Nielsen, fue breve, emocionante y les dio tiempo a hacer una peli juntos.

5 Ama y defiende los animales. El amor a los animales se hace extensible a la naturaleza, los bosques y en general el mundo. Cuando tuvo el mundo en sus manos y el poder para hacer lo que quisiera se dedicó a hacer pelis con fuerte contenido ecologista y de defensa medioambiental como En tierra peligrosa (1994) dirigida por el propio Seagal. Toda una declaración de intenciones.

6 Es músico y toca en una banda. Su banda se llama Steven Seagal Blues Band, ha sacado varios discos y ha llegado a tocar incluso con B.B. King, amigo y mentor de Seagal.

7 Rueda de manera incesante. Películas para televisión, direct to video movies. Los nuevos trabajos de Seagal no dejan de aparecer a pesar de que físicamente no luzca espléndido y la puesta en escena y el montaje tengan que compensar sus carencias físicas. En estos años se mueve por tierras rusas y en países del este donde rueda con facilidad. Es un gran amigo de Putin con el que practica artes marciales.

8 Trabaja como policía. Es jefe adjunto de la División de Voluntarios de la Oficina del Sheriff en Jefferson, ciudad del estado de Luisiana. La justicia no es algo que sólo se aplique en la ficción, sino tiene su reverso en la vida real. En la serie Steven Seagal: Lawman se le puede ver dando lecciones de Aikido, deteniendo a malhechores y demostrando su buena puntería.

9 Casi todos sus títulos originales están compuestos de tres palabras. Brevedad y contundencia como marca de estilo y como sello personal. Abowe de Law, Hard to Kill, Out for Justice, Marked for Death, On Deadly Ground, The Glimmer Man, Fire Down Below..

10 Sus películas son perfectas para cuando uno llega de fiesta. Está entre mis preferidos para el último suspiro después de una larga noche de baile y diversión. El sol apunta en el horizonte, la última cerveza, el trozo de pizza que sobró de la noche y… Steven Seagal fracturando algún cubito o radio, suena a música celestial para suavizar el tránsito al sueño.

Por estas diez razones y muchas más hay que amar a Steven Seagal.

 

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BELLEZA DE NEÓN Y MUERTE

The Neon Demon (2016), la última película de Nicolas Winding Refn se sumerge en un sueño del que es difícil despertar. Como en su anterior filme, Only God Forgives (2013), las tramas se van simplificando cada vez de manera más radical hasta llegar a la abstracción. Al igual que sus imágenes; instantáneas, vivas, electrizantes y embriagadoras; tan banales como seductoras que quisieras dormir en ellas. Es como bailar bajo los efectos ya2zzl95del éxtasis en una pista de baile; no hay nada más que hacer que esperar a que baje el efecto o a que termine la música.

“La belleza no es lo más importante, lo es todo”. Bajo esta premisa verbalizada por uno de los protagonistas, se articula toda la película de Refn.  Suspendidos en un futuro cercano, posiblemente de unas horas, en un presente de nostalgia retro, los elementos como el neón, el terciopelo, el cuero, la madera, el acero e incluso la sangre,  brillan en claroscuros para envolver, esconder y resaltar la belleza de sus protagonistas. Todo deslumbra y a la vez todo es negrura en The Neon Demon.

Jesse llega a Hollywood con el sueño de conquistarlo y ser una estrella más en el firmamento de las modelos y las actrices. Su belleza natural, pura y virginal desatará la maldad entre sus rivales, compañeras y amantes. O quizás es el mal que ya existe en la propia ciudad de Los Ángeles la que se apoderará de ella. Esta excusa argumental, utilizada tantas veces en películas como Ha nacido una estrella (en sus diferentes versiones) o Mulholland Drive (2001), sirve a NWR (tal y como firma en los créditos) para articular un discurso sobre la belleza en nuestros tiempos y las consecuencias de la excesiva importancia que se le da. Discurso que, de una manera superficial, al igual que la belleza, surge de las perfectas bocas de las protagonistas, pero que cobra fuerza y explota como una bomba en el cerebro del espectador gracias a muchas de las imágenes de la película. Momentos suspendidos en un coma profundo mezclados con ataques epilépticos de luz de neón que, gracias al trabajo de la directora de fotografía, Natasha Braier, dan sentido a la fina narrativa del filme y la llevan a un nivel simbólico.

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Como las chicas del “giallo” fantástico de Dario Argento Suspiria (1977), nuestras protagonistas se mueven entre colores rojos, azules y verdes y quedan atrapadas en cuadros con hermosas muertes, a veces fingidas, otras reales. La belleza está también en la oscuridad y quizás, en la muerte.

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TAXI DRIVER CUMPLE 40 AÑOS

De una espesa niebla que cubre completamente la pantalla aparece el taxi que recorrerá cada noche las sucias y peligrosas calles de Nueva York. Los nombres de los protagonistas sobre el fondo neblinoso desaparecen y los ojos de Robert de Niro ocupan completamente la pantalla. La música de Bernard Hermann repentinamente cambia de tercio, de una melodía contundente y trágicamente épica a una dulce música jazz. Los transeúntes y las calles se distorsionan en diferentes colores y la música vuelve a cambiar. Estamos en la mente de Travis Bickler, desdoblada, como la banda sonora de Hermann.


Este es el principio de Taxi Driver, una de las películas más importantes de la historia del cine y que este año celebra los cuarenta años de su estreno. Taxi Driver es una película de culto por infinidad de razones. Supuso la película que catapultó a Martin Scorsese como uno de los mejores directores del panorama mundial; el cineasta contaba con sólo 34 años y consiguió la Palma del Festival de Cannes y varias nominaciones por su original trabajo. Fue también la primera colaboración entre Scorsese y el guionista Paul Schrader, posteriormente vendrían Toro Salvaje (1980),  La última tentación de Cristo (1988) y  Al límite  (1999).  Taxi Driver  ha marcado, sin duda, parte de la obra de Schrader, ya que muchos de sus guiones tienen una estructura similar y ofrecen retratos de personajes que descienden directamente a los infiernos buscando cualquier tipo de redención o salvación como ocurre en  El ex-preso de Corea  (1977) y en  Hardcore: un mundo oculto (1979).

También supuso la consagración definitiva de Robert de Niro como estrella del cine tras haber ganado previamente un Oscar como mejor actor secundario por El Padrino II (1974). De Niro simplemente brilla en cada secuencia. Hace un trabajo que recorre desde la sutileza hasta las acciones más explosivas, además de ofrecer uno de sus primeros despliegues de transformaciones en un papel: de paleto a auténtico psicópata demacrado con cresta incluida; en la película venos como su cuerpo se va musculando y pasa de un1461344723_775731_1461345192_noticia_normal auténtico enclenque a fibrado. El resto del trabajo de los actores es también excelente: la prostituta adolescente interpretada por Jodie Foster, la idealista colaboradora en la campaña presidencial que interpreta Cybill Sheherd, un Harvey Keitel en el papel de proxeneta o el Peter Boyle dando vida al taxista apodado “El Mago”.

Taxi Driver es un recorrido por la cara más oscura de la sociedad norteamericana de la época y por todos sus males. Un recorrido por la noche oscura del alma a través de los ojos de un héroe involuntario. Un paseo a través de la niebla que ensucia la mente humana y que nunca deja de sorprender ni de emocionar. Un paseo que cumple cuatro décadas y que tendremos la oportunidad de volver a ver en las salas de cine durante este final de 2016.

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THE LAST PICTURE SHOW, CADA SESIÓN ES LA ÚLTIMA

El tiempo pasa de una manera inexorable en The Last Picture Show. Desde el primer plano, una extraña panorámica, la película de Bogdanovich intenta atrapar el paso del tiempo, comprimirlo y a la vez huir de él. La panorámica es extraña porque la cámara se desplaza de derecha a izquierda, en un sentido inverso al habitual, al que nos tiene habituados el ojo que coincide con el sentido de la escritura y la lectura. La cámara se mueve siguiendo el viento que arrastra hojas y arena. Ese mismo viento que impide a los personajes evolucionar, crecer y huir del pueblo en el que viven atrapados.

La sala de cine prepara su última sesión mientras los personajes no pueden más que recordar amores que no olvidan, historias que pudieron ser, errores que debieron cometer.

La nostalgia atrapa el tiempo para enmarcarlo en un precioso blanco y negro. A la vez nunca dejan de suceder cosas en The Last Picture Show. Las elipsis se suceden entre secuencia y secuencia, entre plano y plano. La sensación es que el tiempo se gasta y se escapa mientras la historia no parece evolucionar.

En una de estas maravillosas elipsis los dos amigos interpretados por Timothy Bottoms y Jeff Bridges miran en el cine Río rojo de John Ford. Los protagonistas del western gritan dispuestos a trasportar el ganado a través de los extensos campos del viejo oeste. Es la última sesión y la despedida de los amigos. Instantes después un camión que transporta ganado atropella y mata al personaje del chico retrasado interpretado por Sam Bottoms. Se produce una elipsis entre la película de John Ford y la propia de Bogdanovich.  Algo más que la vida de un personaje muere en este trayecto.

La nostalgia del cine que entonces ya moría sigue vigente hoy en día.  El cine nunca deja de morir. Cada sesión es la última.

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BIENVENIDAS CAZAFANTASMAS

Si sucede algo extraño en tu vecindario ya sabes a quien tienes que llamar; a las Cazafantasmas. Después de veintiséis años de no responder al teléfono, los problemas relacionados con espectros y fantasmas ya vuelven a tener una respuesta. Durante años se habían escuchado infinidad de rumores sobre la posible tercera entrega de la saga iniciada en 1984 por Ivan Reitman; pero diferencias de opiniones entre los protagonistas y alguna mala noticia como la muerte de Harold Ramis – uno de los creadores de la franquicia- hicieron imposible su existencia. Finalmente, y de la mano de uno de los nuevos “artesanos” de la comedia americana, Paul Feig y con un reparto que cambia a aquellos humoristas tan carismáticos de los ochenta (Dan Aykroyd, Harold Ramis, Bill Murray y en menor medida Ernie Hudson) por un grupo de las mejores humoristas del momento en USA (Melissa Mccarthy, Kristen Wiig, Kate McKinoon y Leslie Jones), llega este remake/secuela.  Al igual que aquellos, las nuevas cazafantasmas provienen del mítico show televisvo Saturday Night Live, programa que ha sido la cantera de los mejores humoristas norteamericanos de los últimos cuarenta años como Billy Cristal, Eddie Murphy o John Belushi.

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Sinceramente, la película está bastante bien. Tiene más aciertos que fallos y no desmerece para nada a la original. En este caso, el material de partida es una película mítica, inolvidable, carismática, representativa y emblemática de una época determinada; el cine de los ochenta. La herencia, la nostalgia y el recuerdo la han llevado a una categoría que va mucho más allá de lo que realmente es; una película divertida y graciosa. Partiendo de esta premisa, la película de Feig cumple con las expectativas a la perfección. El modelo de lathRPE6081F historia es el de la original, contiene buenas dosis de comedia, que encuentran en el personaje de “secretario torpe” interpretado por Chris Hemsworth sus secuencias más divertidas, unos cuántos sustos bien trabajados, una dirección y puesta en escena muy correctas y unos excelentes efectos especiales muy superiores a los de la original.

Como factores negativos podríamos reclamar más carisma por parte de “las chicas”, aunque es posible que nuestra falta de “cultura humorística norteamericana” sea la culpable de no disfrutar de algunos de los gags que nos regalan. El otro factor negativo es que se trata de un producto demasiado “blanco” orientado de forma exagerada a público familiar e infantil y en algunos momentos se echa en falta algo de la “mala leche” que contenía la original. En aquella podíamos disfrutar del descaro de Bill Murray, toda su relación romántica con Sigourney Weaver y alguna secuencia delirante como el sueño erótico de Dan Akroyd.

Eso sí, la cinta contiene infinidad de guiños y cameos homenajeando a “Los Cazafantasmas” por lo que la diversión está garantizada. Bienvenidas Cazafantasmas.

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