ENTREVISTA A PABLO HERRERA

Pablo Herrera Marín es uno de los fundadores de Colectivo Piloto, organización sin ánimo de lucro nacida en Barcelona en el año 2004 y que ha gestionado diversas actividades culturales y educativas dentro del campo audiovisual.

Filmmaker y productor nacido en Argentina, Pablo ha trabajado en Barcelona por más de 12 años impulsando con éxito proyectos audiovisuales y culturales para el Ayuntamiento de Barcelona y otras organizaciones del tercer sector como Save The Children. La notoriedad de sus proyectos se debe en gran parte a su carácter emprendedor y a un sistema de producción y financiación diversificado; virtudes y estrategias que lo convierten en un modelo a imitar dentro de un sector cada vez más competitivo.

Desde el 2013 Pablo reside en la ciudad Nueva York desde donde continúa con la creación y gestión de diversos proyectos culturales y audiovisuales.

Recientemente he tenido la oportunidad de entrevistarlo a propósito de la realización de la Primavera de los Realizadores en Nueva York, un festival de cine independiente que está organizando con el Colectivo Piloto en la Gran Manzana, y que estrenará su primera edición en la primavera de 2017.

¿De dónde surge tu pasión por el audiovisual?

Mi relación con el campo audiovisual aparece durante la realización de la maestría en Artes Visuales que estaba desarrollando en la Universidad de Barcelona en el año 2002. Para mi tesis en la maestría estaba produciendo un corto documental sobre el impacto de las transformaciones urbanas en la Barcelona Post-Olímpica de los Juegos de 1992. El documental fue un “work in progress”, que además de despertar mi curiosidad por la producción audiovisual, me llevó a desarrollar un pensamiento crítico sobre las políticas sociales. Después de ese proyecto mi visión sobre el arte y el papel del artista en la sociedad cambió por completo.

¿Crees que el cine y el audiovisual son armas que pueden cambiar el mundo y la sociedad?

Absolutamente. Respeto el cine como industria de entretenimiento, pero yo prefiero hacer cosas que sirvan para algo más. Lo que me estimula de mi trabajo es hacer proyectos que contribuyan de alguna manera al desarrollo social, que tengan un sentido constructivo para la comunidad. Por eso creamos el Colectivo Piloto, que es una organización desde la cual promovemos proyectos culturales y educativos con esa perspectiva.

¿Qué tipo de proyectos desarrolla el Colectivo Piloto?

Desarrollamos proyectos culturales que sirvan como plataforma para la promoción artística, y proyectos educativos y de divulgación social.

En el primer caso buscamos contribuir al desarrollo artístico de nuevos profesionales del sector, ayudándolos a introducirse en el mercado audiovisual. Un ejemplo es la Primavera de los Realizadores en Nueva York, un festival de cine independiente que cuenta con el pablo-herrera-2soporte del Instituto Cervantes de Nueva York, y que servirá para incentivar el mercado de coproducción entre España, Latinoamérica y Estados Unidos. La primera edición del festival se llevará a cabo en la primavera de 2017.

Otro evento importante que estamos haciendo en Nueva York es la Electrofilmika, que son proyecciones cinematográficas y de arte visual con música electrónica y avanzada en vivo. El evento nació en Barcelona en el año 2009 y ahora lo hemos traído a Nueva York. Electrofilmika es un muy buen punto de encuentro para la experimentación y creación entre músicos y filmmakers y los resultados son fascinantes. El evento se realiza con frecuencia en la Cantina Royal de Williamsburg, Brooklyn.

El segundo enfoque de trabajo de Colectivo Piloto es la educación. Hemos desarrollado diversos proyectos educativos al servicio de organizaciones como Save the Children, realizando filmmaking workshops en escuelas de educación secundaria, que sirvan para promover valores como los derechos de los niños y las niñas, la integración social o la inmigración. O los que realizamos para el Ayuntamiento de Barcelona, como kdm;) y El Culebrón del Barrio, dos webseries creadas y producidas con adolescentes, y que han tenido un rotundo éxito participativo. Proyectos que además han servido para la profesionalización de más de cien jóvenes en el sector audiovisual.

En este sentido ¿cuál crees que debe ser el papel de las escuelas de cine en el futuro del audiovisual?

Creo que el papel de las escuelas hoy debe ir más allá de la mera enseñanza de un oficio. Hay que ser más ambicioso, lo que hay que enseñar es a ‘aprender a vivir del oficio aprendido’. Para esto se pueden diseñar varias estrategias como: dedicar buena parte de la currícula a la enseñanza y práctica del sistema de autogestión; generar vínculos con el sector privado para incentivar la producción post-académica; desarrollar plataformas de promoción on-line para la difusión de los trabajos realizados por los alumnos, y generar contenido nativo para estas plataformas mediante la creación de proyectos (autogestionados por los alumnos); incentivar el networking mediante la organización de workshops, seminarios, festivales y eventos que impliquen no sólo a los estudiantes sino gente externa, filmmakers, productores, inversores privados, representantes de los organismos públicos; desarrollar proyectos e iniciativas que impliquen a la comunidad; etc.

Se podría decir que eres un trotamundos: Argentina, Barcelona, ahora Nueva York, ¿qué les dirías a los chicos que quieren crear y su entorno no es el apropiado para hacerlo?

En mi papel de educador siempre he intentado transmitir y estimular la autogestión. Más allá del aprendizaje práctico, el de cómo escribir un guion o utilizar una cámara, es fundamental aprender a autogestionarse y a cultivar una actitud emprendedora y de equipo.

En los jóvenes de hoy es de notable importancia darles a entender que el aprendizaje de un oficio no es suficiente para subsistir. Ese oficio debe venir acompañado de una actitud positiva para afrontar las situaciones más diversas exigidas hoy por el mercado laboral. Y si bien es verdad que es muy difícil sacar adelante tus proyectos, también es verdad que en el fondo no hay nadie ni nada que pueda impedir hacerlos realidad. Pero para conseguirlo hace falta creer que es posible, ser constante, y estar dispuesto a tocar todas las puertas que haya que tocar. Mientras tanto no debes desanimarte si tienes que hacer algo que no te gusta para poder pagar tus cuentas. Es parte del juego, es un proceso.

Has estado trabajando y viviendo en Barcelona, ¿cómo ves la situación del audiovisual en Barcelona y España?

En general el problema de España es la gran dependencia al subsidio. Está bien que los subsidios existan, tanto desde el gobierno autonómico como central y europeo, pero estas ayudas no deberían nunca exceder el 40% del coste de producción. En España representan cerca del 70% o más. El sistema funciona (relativamente bien) en tiempos de bonanza económica, pero ante una crisis, si el mercado de inversión no está diversificado, las consecuencias son desastrosas.

Además, hay que ser honestos, el sistema de subsidios es bastante limitado y en general politizado. Es un modelo que hay que transformar. Sobre todo, hay que cambiar la actitud, tanto los realizadores como los productores y los distribuidores; los contribuyentes no tienen por qué financiar una producción sólo porque tú digas que eres artista y mereces llevar tu película a la pantalla. Hay que diseñar un sistema rentable, abrir y estimular el mercado de inversión al sector privado, y dejar de pensar que con financiación privada perderás la independencia y el control de la obra.

En el caso catalán el panorama es aún más grave, sobre todo porque es un sistema más pequeño y muy conservador.

Nueva York es una ciudad que supura cine por los cuatro costados, encuentras rodajes en cada esquina y los creadores se mueven y se unen de forma natural para hacer cosas. ¿Qué crees que le falta a Barcelona para acercarse a NY?

Nueva York, y Estados Unidos en general, es el caso opuesto, no existen subsidios del estado para la realización de producciones audiovisuales. Ni siquiera una cadena pública como PBS, de muy buen contenido (sobre todo documental) financia la producción audiovisual. Un caso como el de TV3, que encarga un documental a una productora catalana, productora que a su vez recibirá financiación de la Generalitat (y un crédito de pablo-herrera-6Caixa Catalunya) para su realización, es algo que no encaja en el sistema americano. En U.S. todo está financiado mediante sponsors privados y para todo hay que pagar tasas y muchas.

Pero en cambio sí hay ayudas para producciones artísticas, cosa que puede funcionar en proyectos no comerciales o la organización de eventos culturales. De todas maneras, no son ayudas del estado, sino de fundaciones financiadas desde el sector privado, y del mismo público a través de donaciones. Eventos muy importantes en Nueva York como el Summer Stage funcionan gracias a las donaciones del público y de sponsors privados.

Algo interesante a destacar en Nueva York es el programa ‘Made in NY’, una campaña impulsada por la alcaldía de la ciudad, desde la Oficina de Cine, Teatro y Difusión. El programa otorga incentivos de marketing y créditos fiscales a las producciones de cine y televisión que se hayan realizado al menos en un 75% en la ciudad. ‘Made in NY’ también cuenta con un programa de formación que capacita a los residentes de la ciudad como ayudantes de producción. Es una iniciativa muy interesante tanto de marketing y de aprovechamiento de los recursos como de formación profesional.

Me puedes decir una película, libro, obra de teatro o disco que te haya marcado profundamente. Si es posible.. ¿un ejemplo de cada uno de ellos?

Más que una película en concreto podría nombrar un director: Stanley Kubrick. Todas sus películas me parecen grandes y verdaderas obras de arte. Lo que me fascina de Kubrick es su metodología de trabajo, el control del proceso de principio a fin, la grandeza de la perseverancia y la paciencia en la construcción de un film. Virtudes compartidas por mis otros tres directores de referencia: Michelangelo Antonioni, Ingmar Bergman y Andrei Tarkovsky.

En cuanto a libros, 1984 de George Orwell y toda la literatura de Julio Cortázar sin desperdicio.

En lo musical mantengo mi línea existencialista con Lou Reed, especialmente el disco Transformer de 1972, y toda la obra de Kraftwerk de principio a fin.

¿Qué consejo darías a un estudiante de cine que acaba de terminar sus estudios?

Lo primero ser consciente de que un diploma no te va a dar trabajo y no alcanza para financiar tu proyecto. Lo que te va a dar trabajo es tu capacidad para afrontar situaciones adversas con actitud positiva y creatividad.

Lo segundo es perderle el miedo al fracaso. Para tener éxito tienes primero que aprender a fracasar, perseverar en tu objetivo y saber esperar. Suena de libro de autoayuda pero es que no hay más, es tan simple como salir a la palestra y jugar.

 

About Descatalogado

Miguel Arjona es Descatalogado y muchas más cosas. Además de su empeño por catalogar cine olvidado en viejas cintas de vhs, Miguel es guionista, realizador, crítico de cine y profesor de cine en FX ANIMATION Barcelona 3D & Film School. Después de estudiar una carrera universitaria que no tiene nada que ver con el mundo del arte, enfermería, decidió adentrarse en el séptimo arte y estudiar cine. Un año en el IDEP y luego dos más en el CECC, en las que estudió guion y dirección. Después de escribir y dirigir varios cortos en 2005, Miguel tuvo la oportunidad de ser director de ESTUDIODECINE, un cargo que ha ocupado durante diez años. Desde entonces, compagina su trabajo en el mundo de la docencia con la producción de varios largometrajes (Párking, La Manada), la escritura de guiones y la realización de cortometrajes y videoclips.
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